专访2025年《中国插画艺术年鉴》获奖者——郭悦黎
插画作为视觉艺术的重要形式，其发展折射着文化传播与艺术创新的潮流。作为中国插画艺术领域的权威年度文献，《中国插画艺术年鉴》立足学术性、专业性与前沿性，系统呈现年度中国优秀插画作品与创作者生态。
2025年《中国插画艺术年鉴》呈现出中国插画艺术行业的蓬勃生机与发展潜力。作品层面，实现了主题、风格与应用场景的多元突破；创作者层面，形成了结构合理、多元包容的人才生态；行业层面，呈现出文化传承与国际融合并行、商业应用与艺术创新共生的良好态势；知名度层面，高校参与与国际推广提升了《中国插画艺术年鉴》的影响力。
未来，《中国插画艺术年鉴》有望进一步突破边界，在文化传播、商业应用与艺术创新中发挥更大作用，持续向世界展现中国文化的独特魅力与中国插画师的创作实力。
今日推出2025年《中国插画艺术年鉴》最佳作品奖获得者郭悦黎独家专访报道，以飨读者。
郭悦黎简介
郭悦黎，毕业于清华大学美术学院信息艺术设计系，纽约视觉艺术学院访问学者。毕业后长期从事艺术教育类相关工作，曾先后参与多套国家级美术教材的编写工作，撰写了多篇具有较高学术水平和创新性学术观点的研究论文，发表在国内重要的专业性期刊上，并被人大复印资料转载。擅长领域为插画创作及水彩速写，作品曾多次荣获国内外插画相关大赛奖项，如第31届切尔西国际艺术大赛奖，iJungle Merit Awards，美国CA插画短名单，2025年金风车插画艺术大赛奖，2025年《中国插画艺术年鉴》最佳作品奖等。
《一隅》（1）
插画艺术网：请你介绍一下获奖作品《一隅》。
郭悦黎：《一隅》系列插画是分别为白先勇的《纽约客》、武重奉的《红运》与米歇尔·佐纳的《妈妈走后》创作的封面及内文插图作品。尽管三部小说诞生于不同的文化语境，却不约而同地聚焦于"变迁"与"冲撞"这一核心主题。无论是白先勇笔下的留美学生、武重奉笔下在殖民都市中迷失的底层民众，还是米歇尔在两种文化间的徘徊，三部作品都折射出东亚社会在现代化进程中的阵痛，以及个体在东西方文化夹缝中的挣扎与重塑。我的作品想要表现的主旨便是身处文化边界之人的悬浮感与孤独感。因此，你会看到我笔下的人物都长着一幅模糊的面庞，因为个体在宏大的历史叙事面前是如此的渺小，但我又希望通过对个体的命运流转、家庭的悲欢离合、甚至是一餐一饭味道的描绘，来延展故事的内涵。这也是《一隅》系列插画的视觉叙事根基——既要有历史的厚重，又要有情感的细腻；既要展现东西方文化的对立，更要表达在"一隅"之中寻求安宁与和解的渴望。
《一隅》（2）
《一隅》（3）
插画艺术网：你为什么插画更偏爱用水彩创作？
郭悦黎：其实我使用的是混合媒介进行的创作，但水彩占据了其中的主导地位。之所以选择水彩，正是因为它能随时随地记录与描摹生活。他的便携性、自在与松弛，可以让我无所顾忌地表达自我。其次，水彩的流动性与融合性则带来了色彩碰撞的灵动与呼吸感。我最着迷的是这种碰撞产生的意外之美——水渍与沉淀常诞生计划外的惊喜。我觉得用这样的方式记录生活，画面更有温度，过程也充满治愈的偶然。
老北京写生 （1）
插画艺术网：你怎么看待板绘插画、AI辅助插画、手绘插画三种插画创作手段未来的发展趋势？
郭悦黎：我认为传统手绘是艺术之本。不论是从对手眼脑的配合，对艺术各要素的把控，还是对纸张、媒介和材料的感知等方面来说，手绘都是提升艺术基础素养的首选形式。板绘是手绘数字化的表达方式，他在画面的布局、色彩的调用、图像的修改以及后期制作等方面更为便捷，也更利于传播，但也在一定程度上丧失了传统纸媒的温度。A I辅助绘画可以帮助创作者更好地将想法落地，但如同他的名字一样，他的创作模式更像一种筛选与基于大数据的学习，而不是真正意义上的“创作”。这里面并不包含绘画创作过程中个人审美趣味的表达和技能提升所带来的愉悦感，我认为他的出现会使传统手绘插画显得更为珍贵，因为我们追求的不仅仅是一张张精美的画面，而是绘画本身这个行为所带来的温暖和治愈性。
作品参展
插画艺术网：你认为怎样才算作好的插画？
郭悦黎：我认为好的插画的核心在于“生命力”，而非“完美”。这种生命力具体体现在三个方面：第一，独特的见解。好的作品必须包含创作者看待世界的独特角度。它挑战主流审美，不追求“正确”而追求“真诚”——是创作者用自己的眼睛观察后，不可替代的个人表达。第二，真实的情绪。画面能传递超越造型准确性的情感共鸣。哪怕线条歪扭、比例失调，只要情绪足够强烈精准，就能让观看者感到“被击中”，而非仅看到一张精美的图片。第三，有痕迹的笔触。歪歪扭扭、看似不完美的笔触，恰恰是创作者“身体在场”的证据。这些手作痕迹记录了创作时的速度、力度与状态，赋予了画面温度与真实感。
以上三者共同构成作品的“生命力”。当一幅插画让你忘记评判“画得好不好”，而直接感受到“它像活着的”——那就是好的插画。它用不完美的真实，对抗精致却空洞的完美。
插画艺术网：能给我们分享一下你的最新创作吗？
郭悦黎：北京是我出生和成长的地方，这座城市的一砖一瓦、一街一巷都深深刻在我的记忆里。我的最新创作是一系列关于老北京城市的速写作品，这组作品饱含着我对这座古都的深厚情感。在创作过程中，我走遍了京城的大街小巷，用画笔记录下那些承载着岁月痕迹的角落——从胡同里斑驳的砖墙到四合院精致的门楼，从钟鼓楼的巍峨身影到什刹海的波光粼粼。每一幅速写都力求捕捉老北京特有的韵味，那些市井生活中的烟火气息：晨光中遛鸟的老人，夕阳下追逐嬉戏的孩童，槐树荫里下棋对弈的街坊邻里。这些看似平凡的日常，恰恰构成了北京最真实、最动人的城市风貌。
老北京写生（2）
我的创作不仅是对个人成长记忆的追溯，更是对北京这座城市历史文脉的梳理与呈现。在速写中，我特别关注那些即将消失或已经改变的城市印记——那些被岁月磨得光滑的青石板路，那些藏着几代人故事的老字号招牌，那些见证过历史风云的古老建筑。通过线条的轻重缓急、色彩的浓淡干湿，我希望能在纸上凝固时光的痕迹，让观者感受到北京作为六朝古都所特有的历史厚重感。同时，我也尝试在传统与现代之间寻找平衡，在保持老北京风貌的同时，隐约透露出这座城市发展的轨迹，让画面既有历史的纵深感，又有时代的鲜活气息。
插画艺术网：有没有什么经验可以给我们插画师分享的？
郭悦黎：由于长期从事美术教材的编写工作，我时常关注从文化的角度观察和理解插画作品。我认为现今的插画师不仅要思考“艺术为何而作”，更要思考“艺术如何育人”。在编写教材的过程中，我深刻意识到，个人的艺术创作不再仅仅是私密的情感宣泄或形式美的探索，它更是一种具有公共性的文化实践，承担着记录、启迪、连接与建构的社会功能。我希望能见到更多的艺术作品成为“记忆的锚点”，在疗愈心灵与提升审美的同时，为文化传承与身份认同的构建尽一份力。这就要求创作者（无论是艺术家还是学生）具备敏锐的观察力（看见社会）、深刻的思考力（理解社会）和温暖的表达力（关怀社会）。这样才能使大家明白，艺术的终极价值，不在于它挂在美术馆白墙上的样子，而在于它如何走进人们的内心，如何参与社会文明的建构，如何在时间的流逝中，为我们共同的精神世界留下一些值得驻足回望的风景。这也是我个人一直努力的方向，与大家共勉。
编写的教材
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